欧洲动画的历史是怎样的？
另一个对早期动画发展有重要影响的美国人是温瑟·麦凯。他出生在美国密歇根州。早年，他靠为马戏团和受欢迎的剧团画海报谋生。后来，他成了一名报社记者和漫画专栏作家。1914年，麦凯发布了一部故事漫画《恐龙葛蒂》。这部漫画的推出，改变了之前动画作品中纯粹的艺术化倾向，将故事、人物、真人表演组织成互动的剧情，取得了相当不错的效果。格蒂，一只天真的恐龙，已经成为著名的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后，麦凯拍摄了《鲁斯塔尼亚号的沉没》。这是第一部由动画制作的纪录片。
温瑟·麦凯的成功具有象征意义。他基于自己作为漫画家的素养和积累，开创了一种重视人物塑造、故事结构和大众趣味的动画创作新模式。麦凯之后，美国动画师开始走一条与欧洲同行完全不同的道路。一个属于新世界的动漫时代即将到来。
20世纪上半叶，美国动漫艺术的发展水平处于世界领先地位。毫无疑问，这种领先是全方位的。
早在1840年，波士顿的DC·约翰斯顿公司就出版了一本名为《克里斯帕》的一页画报，这可能是美国最早的漫画作品。此后，随着欧洲移民的不断涌入，原本风靡欧洲的漫画艺术也开始登陆美国。
1880美国报业大亨普利策在他的《纽约世界报》上增加了一期周日特刊，并在其中加入了漫画专栏。此后不久，另一家报业巨头赫斯特公司开始在自己的刊物《纽约杂志》和《美国幽默大师》上定期刊登漫画。这意味着漫画在增加报刊发行量方面的作用已经被广泛认可。上述两大报业部门的强势介入，无疑给美国动画片注入了一针生长促进剂，从此美国动画片的发展进入了快车道。
从65438年到0895年，由著名漫画家R.F.Outcault创作的系列漫画《黄种人的孩子》开始在普利策创办的《纽约世界》上发表。但没过多久，奥特考特就带着“黄种人”去了赫斯特旗下的《纽约日报》。黄种儿童系列的原名叫《霍根的巷子》，故事的主角是一个名叫“米奇·杜根”的六七岁的孩子，穿着脏兮兮的睡衣，头很大。其实这件睡衣一开始就是蓝色的。到了1896年，由于一项新技术的应用，人们可以很容易地把纸染成黄色，杜根也换上了黄色的衣服。后来，Outcault加入了漫画中主角的对话，让大家更容易理解故事的主题。这也让黄种孩子成为了名副其实的漫画。因为“黄种孩子”的形象已经深入人心，精明的商人基于这个形象开发了大量关于“黄种孩子”的周边产品，包括玩具、雕像、广告海报等等。虽然《黄种人的孩子》几经波折，但在第一次出现后的第七年，也就是1902年，《黄种人的孩子》系列终于出版了。需要指出的是，《黄种人》的成功不仅推动了美国动画片的发展，也为漫画作品的商业化运作提供了经典范式。
整个20世纪初，漫画一直在寻找与美国文化的交集。在这个过程中，产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。然而，直到20世纪30年代初，美国动画片的黄金时代才真正到来。
对于“黄金时代”，有这样一段精辟的描述:美国漫画的黄金时代，是廉价画报上超级英雄横行的时代。众所周知，这一时期产生了很多超级英雄形象，比如超人、蝙蝠侠、闪电侠、水族侠等等。这些超级英雄的共同特点是拥有健美运动员的身材和常人无法拥有的超能力，不断战胜邪恶强大的敌人，拯救世界。其中超人和蝙蝠侠大概是最有代表性和影响力的。
超人的主角是克拉克，一个来自氪星的拥有超能力的外星人。当他还是个婴儿时，他乘坐宇宙飞船从氪星来到地球，被善良的肯特家收养。长大后，他开始发现自己拥有地球人没有的超能力。为了隐藏自己的身份，克拉克从一个偏僻的小镇来到大都市，在《星球日报》做编辑，从而结识了年轻漂亮的女记者路易斯。从此以后，每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时，总会有一个穿着斗篷和紧身衣的飞行英雄及时出现，拯救那些陷入危机的人。但是，大多数情况下，超人的主要任务是靠英雄拯救美国。
超人系列首先发表在《COMICS行动》的第一期，并迅速在美国流行起来。1939 65438+10月16，超人开始在报纸上连载。到1941，每天有300多家报纸连载超人漫画。以“超人”为主题的漫画、电影、电视剧在接下来的半个世纪里层出不穷。毫不夸张地说，“超人”已经成为一个时代的象征。
几乎在超人成功的同时，“黄金时代”的另一位超级英雄蝙蝠侠也进入了人们的视线。
蝙蝠侠，原名昆布西，出身显赫的富豪家庭。在他很小的时候，他的父母被歹徒杀害，所以他成了孤儿，由一个管家抚养。长大后，他发誓要为铲除邪恶而战。结果他变成了一个穿着蝙蝠装的假面英雄。消除暴力，惩罚逃避法律制裁的人，是他最重要的使命。
蝙蝠侠的故事最早出现在第27期的《COMICS侦探》中。相比超人，蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人，这就是他的魅力所在。蝙蝠侠对抗邪恶的主要工具是各种科技发明，其中最著名的就是万能蝙蝠战车。
在黄金时代的众多超级英雄中，神奇女侠可以说是一个“另类”。这不仅是因为它打破了男性对超级英雄形象的垄断，更重要的是，她的出现彻底重构了漫画世界中的性别秩序，让女性角色不再只是男性英雄的附庸，而是真正成为了主导故事的主角。所以神奇女侠系列在1941年底在全明星COMICS上线后不久就受到了很多女性读者的热烈欢迎。
漫画英雄的出现绝非偶然。其实是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就是所谓的个人主义。这是一种崇尚个人奋斗，强调优先保护个人利益的文化。在这种文化背景下，特别是当20世纪30年代的大萧条和二战给美国社会带来严重冲击时，人们欣赏并渴望“救世主”式的超级英雄，并将其视为希望和力量的象征。因为现实世界中没有这样的人物，所以人们转向虚构的世界寻求精神寄托。
第二次世界大战期间，美国的社会经济没有被战争拖垮，反而获得了前所未有的发展和壮大。战争激发的爱国主义成为当时美国文化的主流。于是，漫画中的超级英雄们也纷纷投身于保卫国家，对抗纳粹。“黄金时代”也达到了顶峰。
随着动画片在美国社会的影响力越来越大，美国动画片的发展也逐渐多元化，出现了教育动画片、科学动画片、西部动画片等新题材。与此同时，盲目追求利润最大化的商业投机，使得美国漫画中的暴力、色情等负面因素激增，一些漫画刊物甚至赫然标着“不适合儿童”。于是，动漫产业成为众矢之的，并最终导致了“黄金时代”的衰落。
1945年春天，弗雷德里克·魏斯曼博士的《引诱无罪》一书出版。魏斯曼博士是当时社会上有影响的知识分子，也是政界知名人物。他一直认为“充满暴力和黑暗内容的漫画是青少年犯罪和社会混乱的根源”。虽然事后调查表明，魏斯曼博士的大部分论点都是没有根据的，但这本书的出版迎合了当时主流舆论对漫画行业的广泛批评，因此立即得到了社会各界的支持和肯定。一时间，漫画成了超级禁书，人们常常以谈论毒品的口吻谈论漫画。
1954年4月，美国参议院青少年犯罪调查委员会就漫画对青少年的影响举行公开听证会，魏斯曼博士作为证人出席。他声称:漫画是玷污儿童纯真，造成青少年犯罪的罪魁祸首。相比漫画，希特勒只是小儿科。"孩子们从四岁起就经常受到漫画的毒害。"他甚至要求立即禁止销售漫画。
虽然听证会未能得出明确结论，但参议院最终要求出台审查标准，删除漫画中所有可能毒害青少年、败坏道德的内容。这其实就是舆论中“黄金时代”的死刑。参议院听证会后不久，漫画出版商于10月26日成立了全国漫画杂志联合会，1954+05438，并制定了“联合会内部检查标准”，还要求在此后出版的漫画封面上明确标明限制级别。
这无疑是对美国漫画界影响深远的事件。因为这个有点矫枉过正的标准，畅销的恐怖和黑帮漫画几乎销声匿迹；西部漫画中的牛仔也不得不大大收敛，肉搏战、枪战场面明显减少；就连搞笑动物漫画里的“暴力”行为也变得胆小了。许多出版社和漫画书因为发行量锐减而破产，大多数职业漫画家迫于生计压力不得不转行。当然，青少年漫画作家如《美国队长》的作者乔·西蒙也曾因缺少超级英雄而红极一时。但是，总的来说，美国连环画行业因此受到了极大的损害。虽然后来有所恢复，但未能重振昔日辉煌。
与美国动漫产业的曲折发展相比，美国动漫产业始终保持着强劲的发展势头。回顾这段历史，我们不能不提到华特·迪士尼和他的迪士尼公司。
其实在华特·迪士尼之前，美国有很多优秀的动画师，但作为后来者，真正推动美国动画产业跃进的是沃尔特。因此，我们有充分的理由认为“华特·迪士尼是动画史上的第一位大师”。
1923年，年仅22岁的华特·迪士尼告别家乡堪萨斯州，启程前往好莱坞寻求发展。当时好莱坞是一片创业的热土，而此时电影还处于默片阶段，动画片只是电影开拍前的一个趣味节目。在那里，他白手起家，仅用3200美元注册成立了“迪士尼兄弟动画制作公司”。在沃尔特来到好莱坞的那一年，他完成了自己的第一部动画作品——《卡通国度里的爱丽丝》，这是一部由真人和动画角色共同表演的无声动画片。
在好莱坞的最初几年，迪士尼和他的公司逐渐站稳了脚跟，但在1927年，沃尔特遭受了他职业生涯中的第一次沉重打击。这一年，他创作的第一个人气动漫角色“幸运兔幸运兔奥斯华”被出版公司骗走，公司几近绝望。愤怒而无助的迪士尼踏上了返回家乡堪萨斯州的火车。然而，就在这次回家的旅途中，一只活泼可爱的小老鼠出现在了沃尔特的脑海里。后来，沃尔特的妻子给这个全新的卡通形象起了一个响亮的名字“米老鼠”！这就是米老鼠，一个将来会闻名全世界，受到各国小朋友喜爱的卡通明星。
米老鼠的出现无疑给迪士尼提供了一笔巨大的无形资产。然而，为了让米奇和他的伙伴们成为受欢迎的超级巨星，迪士尼还必须有一个新颖的制作理念。新概念的核心是重视剧情的设计和不断创新。
在迪士尼之前，动画片作为普通电影放映前的缓冲节目，往往只注重视觉效果，很少关注故事线的安排。而迪士尼的米老鼠系列，在制作初期就对作品的剧情进行了精心的安排，使得七八分钟的短片非常吸引人。再加上制作精良的画面，迪士尼的漫画一下子甩了几乎所有的竞争对手。
除了先进的创意，对创新的敏感是迪士尼的另一张王牌。20世纪20年代中后期，电影告别了默片时代，有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐地意识到变化的来临，开始尝试制作有声动画片。1928 165438+10月18作为电影史上第一部视听动画电影，《汽船威利号》在纽约殖民剧院隆重首映，获得巨大成功。1932年，迪士尼发行了第一幅彩色卡通《花和树》。除了预期的轰动效应，它还为迪士尼赢得了奥斯卡最佳动画短片奖。五年后，1937，迪士尼第一部全动画卡通剧《白雪公主和七个小矮人》上映。这是一部划时代的漫画，具有里程碑的意义。由于这部作品在商业上的巨大成功，迪士尼的制作计划开始向故事片倾斜。随后，1940年，迪士尼公司相继上映了《匹诺曹》和《幻想曲》两部动画长片。其中《幻想曲》被视为现代动画的经典之作，自开播以来广受好评。随着新作的不断发布，迪士尼的动漫明星阵容也在不断扩大。除了米老鼠，米妮、布鲁托、高菲和唐老鸭等新形象也出现在迪士尼的漫画中。随着优秀作品和卡通明星的出现，迪士尼终于在20世纪40年代初确立了其在卡通帝国中的统治地位。
对于整个美国动画产业来说，迪士尼的成功有着巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩大，许多新的动画公司如雨后春笋般成立。此时的好莱坞已经成为美国乃至世界动画产业的中心。范博伦工作室就是这些新兴动画公司中的一员，一批优秀的年轻动画人也聚集在他的旗帜下。20世纪30年代末，这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆和杰瑞》，并大获成功。另一个有影响力的动画制作机构是华纳工作室在1934创立的动画部门。其主要作品包括:小猪和豆子、达菲鸭、兔八哥等系列漫画。就像迪士尼的米老鼠一样，他们是著名的卡通明星。
然而，在迪士尼辉煌成功的同时，危机也在悄然孕育。迪士尼公司在成立之初，就以艺术和创作为信条，招募了一大批一流的动画人才。但随着公司的不断发展，迪士尼的艺术风格逐渐固定，迎合观众和市场的需求成为节目制作的基础和前提。更重要的是，迪士尼员工越来越觉得公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长，不满情绪已经开始在迪士尼内部蔓延。20世纪40年代初，迪士尼公司旗下的动画师开始筹备成立工会，希望与公司高层对抗，争取更高的报酬。但高层的态度似乎比预想的更强硬，这也引发了一场旷日持久的“口水战”。最终，多家公司的业务骨干愤然离职，合伙成立了“美国联合制作公司”(UPA)。
尽管经历了许多曲折，华特·迪士尼和他的公司仍然是那个时代无可辩驳的成功。如今的迪士尼已经成为一个世界性的“娱乐王国”，这也从另一个角度证明了华尔特的理想和成功是超越时代的。
总之，在这一时期，美国的动漫产业和动画产业都取得了长足的进步。值得注意的是，在这一发展过程中，围绕动漫产品，美国的娱乐业形成了完整的商业运营体系，实现了动漫发展的良性循环。而正是在这个基础上，“美国漫画”才能实现其全球扩张，成为一股不可小觑的文化力量。
二战前后，尽管欧美动漫产品仍占据世界动漫市场的主流，但由于经济、社会和流行文化的变化，动漫艺术在全球范围内的发展也呈现出前所未有的全方位、多元化发展趋势。不可否认，新一波动漫产业正在兴起，并将席卷全球。
在美国漫画走上商业化道路的同时，欧洲的漫画家和动画师似乎还在坚守着他们固有的艺术理念。但即便如此，这一时期也不乏经典的欧洲漫画。
在德国，这一时期出现了一位具有世界影响力的漫画家E.O .普劳恩。布劳恩原名埃里斯·欧塞尔，出生于萨克森的一个偏远小镇。后来，由于工作变动，Erisi的父亲和他的家人搬到了Fortgrant Mountains的首府Braun。厄里斯因为对这座城市的怀念，用布劳恩作为笔名。从1921到1933，埃里斯以画家的身份发表了大量的卡通画，还为自己的密友、作家埃里斯·卡斯特纳的多幅作品绘制插图。然而，随着纳粹党的上台，德国的社会和政治气候迅速向右转。不满纳粹党的倒行逆施，埃里斯创作了一些以纳粹党为讽刺对象的漫画，引起了纳粹头目约瑟·戈培尔等人的嫉妒。Erisi的漫画一度被禁。
后来，因为《柏林画报》需要一个能画连载漫画的画家，负责此事的著名作家、出版商、编辑库尔特·库森伯格博士找到了埃里希·欧塞尔，希望他能承担这项工作。最后，由于《柏林画报》的积极干预，纳粹当局解除了对埃里希的禁令，但附加了一系列苛刻的审查条件，绝对禁止他的作品中有任何政治内容。
尽管如此，Erisi还是完成了从1934到1937的200多套作品，也就是著名的系列漫画《父与子》。在法西斯横行的年代，这套漫画就像是人性的绿洲，成为德国人民面对残酷现实生活时最好的精神慰藉，从而赢得了很多人的喜爱。父子被视为德国幽默的象征，其受欢迎程度很快就跨越了国界。
1929年，比利时漫画家埃尔热开始创作《丁丁历险记》系列。从那时起直到艾尔热在1983年3月去世，《丁丁历险记》已经完成了二十多卷。1986年，作为艾尔热生前未能完成的最后一部作品，《丁丁与阿尔法艺术》出版，丁丁系列结束。评论家们普遍认为丁丁系列的成功应归功于作者充分注意故事主线与现实背景的有机结合，因此艾尔热也被称为“漫画记者”。无论如何，由于结合了纪实风格和幽默的创作元素，丁丁系列成为了漫画史上最杰出的作品之一，艾尔热也因此进入了漫画大师的行列。
当美国动画师在享受“黄金时代”的时候，欧洲动画师还在执着于实验和艺术化的道路。这从他们对同步声音技术的应用就可以看出来。在美国，人物的声音主要用来表现人物的特点和个性；而在欧洲，音效是作为实验的“素材”。事实上，欧洲的动画师几乎已经将动画片中画面和音效的配合发挥到了极致。这些有益的尝试和探索极大地丰富了动画片的表现手法，促进了动画艺术的发展和进步，但动画毕竟是一种需要高投入的文化产品，没有完整产业链的支撑，很难做出一部佳作。随着美国动画片的大规模进入，欧洲的实验动画逐渐衰落。
也许没有人会想到，二战的爆发给了欧洲动画产业一个“复兴”的机会。由于大战的影响，原本连成一体的世界动漫市场被分割成几块，客观上刺激了各国动漫产业的独立发展。与此同时，由于许多国家的政府都将动漫作为重要的战争动员和宣传手段，政府投资扶持本国动漫产业发展的局面开始出现。
战时的英国，新成立的“哈拉斯和巴切莱特”动画公司受英国当局委托，制作了70多部动画宣传视频支持战争。这些短片在英国各地的电影院和剧院放映，对激发英国人民的斗志起到了积极的作用。类似的“战争动画”在美国、日本等国家也有出现。战后，虽然不再需要将动画作为战争动员的手段，但它仍然是一种重要的宣传媒介，因此受到了政府和非政府组织的广泛重视。作为一种媒介，漫画被用于公共关系、企业广告、文化教育，甚至政治活动。这让欧洲的动漫产业找到了新的支点。
相比西欧国家，东欧和前苏联的动漫产业虽然有点落后，但是有自己的风格和体系。亚历山大·巴斯金和《布兰帕格姐妹》是前苏联动画产业的杰出代表。其中布兰帕格姐姐在1925完成了《火起来的中国人》，为国内观众所熟知。虽然一些西方评论家认为俄罗斯动画片过于死板，但总体而言，前苏联的动画人从其丰富的文化遗产中挖掘了大量优秀素材，拍摄了许多优秀的动画作品。
我们回美国吧。“黄金时代”末期出现的多样化风格被新一代美国漫画家继承，产生了许多优秀的漫画作品。
10月2日，美国著名漫画家查尔斯·舒尔茨开始出版他的《花生》系列。在接下来的50年里，《花生》系列取得了前所未有的成功，被翻译成21种语言，在75个国家的2600多家报纸上发表。该漫画的主角史努比已经成为一名超级漫画明星，自称拥有“全球3.5亿忠实读者”。《花生》的出现标志着美国漫画界新生力量的崛起。类似的成功例子还有吉姆·戴维斯和他的加菲猫系列。
随着时间的推移，“魏斯曼事件”的影响逐渐淡化，超级英雄们的故事开始回归美国生活。1956年，在《The Show》杂志的第四期，新一代的“闪电侠”出现了，从而标志着超级英雄的回归。此后“黄金时代”的英雄大多重现，新一代超级英雄不断涌现，包括1962出现的蜘蛛侠，1974出道的沃勒琳，90年代初出现的幽灵骑士。然而，新时代的超级英雄们似乎再也找不到曾经的“辉煌”了。毕竟“黄金时代”已经成为历史，人们对英雄的渴望也逐渐淡去。
这一时期，美国漫画产业发展的另一个突出表现是商业盈利模式的巩固。20世纪三四十年代，美国漫画产业已经初步形成了“漫画作者→出版商→发行网络(包括专卖店)→读者”的商业运作模式。战后这种经营方式基本没有太大变化，但销售网络规模和读者覆盖面明显扩大。而一些原本不参与漫画销售的普通书店，也开始涉足漫画发行。
如今，美国漫画产业的年产值约为23亿美元。虽然在绝对规模上还是相当有限的，但是利润率相当可观。以美国最大的漫画出版商漫威为例。2000财年，这家出版社的总销售额为231亿元，而总净收入却高达8890万美元，占总销售额的38.9%。除了漫画期刊和书籍的出版，漫画周边产品的开发和知识产权(形象授权)的再开发也正在成为美国漫画产业新的利润增长点。
在战后的美国动画产业中，迪士尼的统治地位仍然无人能及。整个50年代，迪士尼公司相继推出了《童话》、《爱丽丝梦游仙境》、《彼得潘》等童话作品，不仅延续了迪士尼动画的声誉，也取得了不俗的票房表现。然而，迪士尼并没有陶醉于成功，而是不断探索创新。先后发布了以现实社会为动画场景的《金银岛》、《小姐与流氓》、《101以动物角色为主角的忠犬》、《历史传说改编的石中剑》等。1964年，迪士尼公司发行了现场表演和动画结合的电影《快乐的人》，一举获得13奥斯卡提名。这一切都表明，迪士尼仍然是一个具有良好创新能力的动画企业。
在动画领域取得成功的同时，沃尔特大胆地带领他的公司进入游乐园行业。1955年，沃尔特在西海岸的洛杉矶建立了世界上第一个主题公园——迪斯尼乐园。如今，分布在世界各地的迪士尼乐园已经成为全世界热爱动漫的人们心中永恒的乐园。
在迪士尼等老牌动画公司坚持传统动画理念的同时，以UPA为代表的小型动画公司开始尝试“有限动画”的制作理念。他们不再追求类似迪士尼动画片的高成本、大规模的华丽场景，而是采取低成本的制作策略，通过精心设计的故事线和音效来弥补视觉上的不足。事实证明，这种前卫的理念是有价值的。尤其是在电视作为一种全新的大众传媒兴起之后，原本在电影院放映的动画片和其他类型的电影一样受到了强烈的冲击。随着“限量动画”概念的提出，动画片开始逐渐适应电视节目的播出要求，进而成为各大电视台争夺收视率的王牌节目。随着电视动画市场的扩大，几乎所有的动画公司都将主要精力转向了电视动画的制作，电视中的动画世界变得多姿多彩。
到了二十世纪末，随着计算机多媒体技术的兴起，动画片的制作和制作面临着一场新的革命。迪士尼公司再次充当了新技术的引领者，推出了一系列大型动画大片，包括根据安徒生童话改编的《小美人鱼》(1990)，根据阿拉伯经典改编的《天方夜谭》(1992)，根据莎士比亚名著改编的《狮子王》(1994)。这些动画大片的推出不仅反映了迪士尼掌握新技术的能力，也引发了“剧院传统”的回归。人们不再在家看电视，而是买票去电影院看动画片。这是电视取代电影成为最重要的动画媒体以来从未出现过的现象。另一方面，以“梦工厂”为代表的新锐产业也在与迪士尼的竞争中逐渐崛起，不断为全世界的动漫爱好者奉上精致的“动画盛宴”。